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조셉 폰 스턴버그

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목차

1. 개요

조셉 폰 스턴버그는 오스트리아-헝가리 제국 빈에서 태어나 미국으로 이민을 간 독일계 유대인 영화감독이다. 그는 가난한 어린 시절을 겪었으며, 영화 영사 기사로 일하며 영화계에 입문했다. 1919년 조감독으로 영화 경력을 시작하여 1920년대 후반 무성 영화 시대에 여러 작품을 연출하며 명성을 얻었다. 특히 마를렌 디트리히와 협업하여 《모로코》, 《상하이 익스프레스》, 《금발의 비너스》 등의 영화를 제작하며 여성적 신비를 스크린에 담아냈다. 1930년대 후반부터는 경력이 쇠퇴했지만, UCLA에서 영화 미학을 가르치며 교육자로 활동하기도 했다. 1969년 사망했으며, 대표작으로는 《푸른 천사》, 《상하이 익스프레스》 등이 있다.

2. 초기 생애 및 교육 (1894-1924)

요제프 폰 스턴버그는 오스트리아-헝가리 제국 빈에서 태어나 어린 시절 미국과 빈을 오가며 성장했다. 1908년, 14세에 어머니와 함께 미국 뉴욕 퀸스에 정착하여[19] 같은 해 미국 시민권을 얻었다.[20]

자메이카 고등학교를 중퇴하고 모자 공예 견습생, 방문 판매원, 레이스 공장 재고 관리자 등 다양한 직업을 가졌다.[21] 5번가 레이스 판매점에서 일하며 여성 스타들을 장식하고 미장센을 꾸미는 데 사용할 화려한 직물에 익숙해졌다.[22][23]

1911년, 17세에 월드 필름 컴퍼니에서 영화 필름을 청소, 수리, 코팅하는 일을 시작했고, 저녁에는 영화관에서 영사기사로 일했다.[24] 1914년, 회사가 윌리엄 A. 브래디에게 인수되자 수석 조감독으로 승진하여 자막 작성, 영화 편집 등의 역할을 맡으며 최초의 공식적인 영화 크레딧을 받았다.[25]

1917년 제1차 세계 대전 참전으로 미국 육군에 입대, 미국 육군 통신대에서 신병 훈련 영화를 촬영했다.[26][27][28] 전쟁 후, 미국과 유럽에서 편집자, 작가, 조감독으로 활동했다.[29]

귀족 지칭어 "폰"은 엘리엇 덱스터가 스턴버그의 영화 크레딧을 향상시키고 영화에 예술적 명성을 더하기 위해 제안한 것이다. 스턴버그는 에리히 폰 스트로하임을 존경했기 때문에 귀족 칭호에 관여하지 않았다고 믿기 어렵다는 주장이 있다.[32][33][34] 1930년대에 "폰"은 엘리트주의적이라는 비판을 받았다.[35][36]

휴고 발린, 월리스 워슬리, 로렌스 C. 윈덤, 로이 윌리엄 닐 등과 함께 견습 시절을 보냈고,[37] 1919년 에밀 쇼타르 감독의 ''황색 방의 수수께끼''에 조감독으로 참여하여 공식적인 화면 크레딧을 받았다.[38] 그는 쇼타르에게서 사진, 영화 구성, 이미지의 공간적 완전성 확립의 중요성에 대한 교훈을 얻었다.

1922년부터 1924년까지 유럽을 여행하며, 런던의 얼라이언스 영화사에서 ''보헤미안 걸'' (1922)을 포함한 여러 영화 제작에 참여했다. 1924년 캘리포니아로 돌아와 로이 윌리엄 닐 감독의 ''허영의 가격'' 조감독으로 첫 할리우드 영화 작업을 시작했다.[40][41] ''뉴욕 타임스'' 평론가 모돈트 홀은 스턴버그의 수술실 장면 연출 능력을 높이 평가했다.[42]

1925년 캘리포니아주 픽페어 저택에서 조셉 폰 스턴버그와 메리 픽포드.


30세의 스턴버그는 배우 조지 K. 아서와 함께 제작한 독립 영화인 《구원의 사냥꾼》으로 감독 데뷔를 했다.[44][45] 4,800달러의 예산으로 촬영된 이 영화는 찰리 채플린과 더글러스 페어뱅스에게 깊은 인상을 주었다.[46][47] 에리히 폰 스트로하임의 《탐욕》(1924)에 영향을 받은 이 영화는 세 명의 젊은 방랑자가 디스토피아적 환경에서 살아남기 위해 고군분투하는 모습을 묘사했다.[48][49]

이 영화는 유나이티드 아티스츠(UA)에 2만 달러에 판매되었고, 짧게 배급되었지만, 흥행에는 실패했다.[50] 이 영화의 성공에 힘입어, UA의 배우 겸 제작자인 메리 픽포드는 스턴버그에게 다음 장편 영화의 각본과 연출을 맡겼지만, 그의 각본인 《백워시》는 너무 실험적이라고 여겨져 프로젝트가 취소되었다.[51][52]

《구원의 사냥꾼》은 스턴버그의 마지막 영화인 《아나타한》(1953)을 제외하면 "가장 명백하게 개인적인 작품"이다.[53] 그의 독특한 스타일은 시각적으로나 극적으로 이미 나타나고 있다. 베일과 그물은 배우들의 시야를 가리고, "신체적 행동보다는 심리적 갈등"이 그의 등장인물들의 동기를 모호하게 하는 효과를 낸다.[54][55]

2. 1. 출생과 가족 배경

요제프 폰 스턴버그는 오스트리아-헝가리 제국의 빈에서 가난한 정통 유대교 집안의 요나스 스턴버그(Jonas Sternberg)로 태어났다.[7] 그의 아버지 모세스 스턴버그(Moses Sternberg)는 오스트리아-헝가리 군대의 전직 군인이었다.[7] 스턴버그의 어머니 세라핀(Serafine)은 어린 시절 서커스 공연자였다.[8]

스턴버그가 세 살 때, 아버지 모세스는 일자리를 찾아 미국으로 이주했다. 1901년, 스턴버그가 일곱 살 때, 어머니 세라핀은 다섯 자녀와 함께 미국에서 모세스와 합류했다.[9][10] 폰 스턴버그는 이민 과정에 대해 "우리가 신세계에 도착했을 때, 이민 관리들이 우리를 소 떼처럼 검사했던 엘리스 섬에 처음 구금되었다."라고 회상했다.[11]

요나스는 모세스를 제외한 가족이 3년 후 비엔나로 돌아갈 때까지 공립학교에 다녔다. 스턴버그는 평생 동안 비엔나에 대한 생생한 기억과 "가장 행복했던 어린 시절의 순간들"에 대한 향수를 간직했다.[12][13]

스턴버그의 아버지는 히브리어 학습을 엄격하게 강요했으며, 아들이 정규 학교 수업 외에 종교 공부만 하도록 제한했다.[14] 전기 작가 피터 벅스터(Peter Baxter)에 따르면, 스턴버그의 부모는 행복한 관계가 아니었고, 아버지는 가정 폭군이었으며, 어머니는 결국 아버지의 학대를 피해 집을 떠났다.[15] 이러한 "어린 시절의 트라우마"를 포함한 스턴버그의 초기 고난은 훗날 그의 영화 속 "독특한 주제"에 영향을 미쳤다.[16][17][18]

1908년, 스턴버그가 14세가 되던 해, 그는 어머니와 함께 미국 뉴욕 퀸스로 돌아와 정착했다.[19]

2. 2. 미국 이민과 귀환

요제프 폰 스턴버그는 오스트리아-헝가리 제국 빈에서 가난한 정통 유대교 집안에서 태어났다.[7] 세 살 때, 아버지가 일자리를 찾아 미국으로 이주했고, 스턴버그가 일곱 살이던 1901년에 가족들과 함께 미국으로 건너갔다.[9][10] 스턴버그는 엘리스 섬에서의 이민 과정을 "소 떼처럼 검사받았다"고 회상했다.[11]

1908년, 14세가 된 스턴버그는 어머니와 함께 다시 미국 뉴욕 퀸스에 정착했다.[19] 그는 같은 해에 미국 시민권을 얻었다.[20] 3년 후 빈으로 돌아갔지만 다시 미국으로 돌아온 것이다.

2. 3. 학업 중단과 초기 경력

요제프 폰 스턴버그는 오스트리아-헝가리 제국 빈의 가난한 정통 유대교 집안에서 태어났다.[7] 세 살 때, 아버지가 일자리를 찾아 미국으로 이주했고, 일곱 살 때 어머니와 다섯 자녀가 미국에서 아버지와 합류했다.[9][10] 폰 스턴버그는 이민 과정에서 엘리스 섬에 구금되었던 경험을 회상하며, "우리가 신세계에 도착했을 때, 이민 관리들이 우리를 소 떼처럼 검사했다"고 말했다.[11]

가족은 3년 후 빈으로 돌아갔지만, 스턴버그는 평생 비엔나에 대한 생생한 기억과 "가장 행복했던 어린 시절의 순간들"에 대한 향수를 간직했다.[12][13] 그의 아버지는 엄격한 히브리어 학습을 강요하며 아들이 종교 공부에만 전념하도록 했다.[14] 전기 작가 피터 벅스터는 스턴버그의 회고록을 인용, "그의 부모의 관계는 결코 행복하지 않았고, 그의 아버지는 가정 폭군이었으며 그의 어머니는 결국 그의 학대를 피하기 위해 집을 떠났다"고 전했다.[15] 이러한 "어린 시절의 트라우마"는 그의 영화에 나타나는 독특한 주제에 영향을 미쳤다.[16][17][18]

1908년, 14세가 된 스턴버그는 어머니와 함께 미국 뉴욕주 퀸스로 돌아와 정착했고,[19] 같은 해 미국 시민권을 얻었다.[20] 1년 후, 자메이카 고등학교를 중퇴하고 모자 공예 견습생, 방문 판매원, 레이스 공장 재고 관리자 등 다양한 직업을 가졌다.[21] 그는 5번가 레이스 판매점에서 여성 스타들을 장식하고 미장센을 꾸미는 데 사용할 화려한 직물에 익숙해졌다.[22][23]

1911년, 17세에 월드 필름 컴퍼니에서 영화 필름을 청소, 수리, 코팅하는 일을 시작했고, 저녁에는 영화관에서 영사기사로 일했다.[24] 1914년, 회사가 윌리엄 A. 브래디에게 인수되자 수석 조감독으로 승진하여 자막 작성, 영화 편집 등의 역할을 맡으며 최초의 공식적인 영화 크레딧을 받았다.[25]

1917년 제1차 세계 대전 참전으로 미국 육군에 입대, 미국 육군 통신대에서 신병 훈련 영화를 촬영했다.[26][27][28] 전쟁 후, 미국과 유럽에서 편집자, 작가, 조감독으로 활동하며 경력을 쌓았다.[29]

귀족 지칭어 "폰"은 엘리엇 덱스터가 스턴버그의 영화 크레딧을 향상시키고 영화에 예술적 명성을 더하기 위해 제안한 것이다. 스턴버그는 에리히 폰 스트로하임을 존경했기 때문에 귀족 칭호에 관여하지 않았다고 믿기 어렵다는 주장이 있다.[32][33][34] 1930년대에 "폰"은 엘리트주의적이라는 비판을 받았고, 그의 "현실주의적 사회 주제의 부족"은 반평등주의로 해석되었다.[35][36]

스턴버그는 휴고 발린, 월리스 워슬리, 로렌스 C. 윈덤, 로이 윌리엄 닐 등과 함께 견습 시절을 보냈고,[37] 1919년 에밀 쇼타르 감독의 ''황색 방의 수수께끼''에 조감독으로 참여하여 공식적인 화면 크레딧을 받았다.[38] 그는 쇼타르에게서 사진, 영화 구성, "이미지의 공간적 완전성" 확립의 중요성에 대한 교훈을 얻었고, 이는 스턴버그가 각 숏의 독특한 "프레이밍"을 개발하는 데 영향을 주었다.

3. 영화 경력 (1919-1953)

유나이티드 아티스츠와의 계약이 끝난 후, 스턴버그는 할리우드에서 떠오르는 재능으로 주목받아 주요 영화 스튜디오들의 관심을 받았다.[56][57] 1925년 메트로 골드윈 메이어(M-G-M)와 8편의 영화 계약을 체결하면서, 스턴버그는 M-G-M의 "점점 더 경직되는 스튜디오 시스템"에 들어섰다. 그곳에서 영화는 시장의 요구에 따라 수익성을 기준으로 평가받았다.[58][59] 스턴버그는 영화 제작에 대한 자신의 접근 방식, 즉 예술로서의 영화와 시각적 시인으로서의 감독이라는 관점에서 메트로 경영진과 충돌했다. 스턴버그가 "상업적 성공에는 거의 관심이 없었기" 때문에 이러한 우선순위의 차이는 그들의 관계를 "파국으로" 몰고 갔다.[60][61][62]

메트로 골드윈 메이어는 처음에 스턴버그에게 작가 앨든 브룩스의 소설 ''탈출''(Escape)을 각색하도록 지시했고, 이 영화는 ''The Exquisite Sinner''로 제목이 변경되었다. 제1차 세계 대전 이후의 브르타뉴를 배경으로 한 이 로맨스 영화는 M-G-M이 그 아름다움과 예술적 가치를 인정했음에도 불구하고, 서사를 명확하게 제시하지 못하여 개봉이 보류되었다.[63]

그 후 스턴버그는 영화 스타 메이 머레이와 로이 다시가 출연하는 ''The Masked Bride''의 연출을 맡았으나, 제작 통제력 부족에 실망하여 2주 만에 그만두었다. 그가 마지막으로 한 행동은 세트장을 떠나기 전에 카메라를 천장으로 향하게 한 것이었다. 메트로는 1925년 8월에 그의 계약을 해지했다. 스턴버그의 조감독이었던 프랑스인 로베르 플로리는 스턴버그의 스트로하임과 같은 연극적인 행동이 제작 관리자들을 당황하게 하면서 M-G-M 세트장에 나타났다고 보고했다.[64][65]

1925년, M-G-M에서의 실망스러운 경력 이후 유럽에서 돌아온 스턴버그에게 찰스 채플린은 자신의 옛 여주인공 에드나 퓨비언스를 위한 복귀작 연출을 제안했다. 퓨비언스는 채플린의 영화에 수십 편 출연했지만, 호평을 받았던 영화 ''파리의 여인''(1923) 이후에는 주연을 맡지 못했다. 이것은 "채플린이 다른 감독에게 자신의 작품을 맡긴 유일한 경우"였다.[66][67] 채플린은 스턴버그의 영화 ''구원의 사냥꾼''에서 등장인물과 미장센에 나타나는 찰스 디킨스의 특징을 감지하고, 젊은 감독이 영화에서 이러한 요소들을 확장시키기를 바랐다. 원래 제목은 ''갈매기''였으나, 이전 영화인 ''파리의 여인''을 연상시키기 위해 ''바다의 여인''으로 변경되었다.[68] 채플린은 촬영 기사 폴 이바노와 함께 스턴버그가 만든 영화에 실망했는데, 이는 그가 예상했던 인간미가 전혀 없는 "매우 시각적이고 거의 표현주의적" 작품이었다. 스턴버그가 여러 장면을 다시 촬영했지만, 채플린은 이 영화를 배급하는 것을 거부했고, 결국 필름은 폐기되었다.[69][70]

스턴버그와 찰리 채플린의 협업 실패는 그의 전문적인 명성에 일시적인 타격을 주었다. 1926년 6월, 그는 흥행사 막스 라인하르트의 요청으로 베를린으로 가서 무대 제작 관리 제안을 검토했지만, 자신이 그 일에 적합하지 않다는 것을 알게 되었다.[71] 스턴버그는 영국에서 배우 리자 로이스를 만나 1927년 7월 6일에 결혼했으나, 3년간의 격정적인 결혼 생활 후 1931년 6월 5일에 이혼했다.[72][73]

1927년 여름, 파라마운트의 프로듀서 B. P. 슐버그는 스턴버그에게 "조명 및 촬영 기술 고문" 자리를 제안했고, 스턴버그는 이를 수락했다.[74] 스턴버그는 스튜디오 임원들이 "가치 없다"고 평가했던 프랭크 로이드 감독의 영화 ''이혼의 아이들''을 살리는 임무를 맡았다. 스턴버그는 "3일 동안 20시간 연속 교대"로 작업하며 영화의 절반을 다시 구상하고 재촬영했으며, 파라마운트에 "비평적, 흥행 성공"을 안겨주었다.[75] 파라마운트는 감명을 받아 저널리스트 벤 헤크트의 시카고 갱스터 이야기를 바탕으로 한 주요 작품인 ''언더월드''를 스턴버그에게 촬영하도록 주선했다.[76]

''언더월드''는 범죄자를 비극적인 영웅으로 묘사한 최초의 "갱스터" 영화로 여겨진다. 스턴버그는 헤크트의 "저널리즘적 관찰"을 버리고 "스턴버그의 상상력에서만" 비롯된 판타지 갱스터랜드로 대체했다.[77][78][79] ''언더월드''는 영화 기법에서 "냉정하고 스파르타적"이었으며, 프랑스 영화 제작자들에게 큰 인상을 주었고, 초현실주의 영화 제작자 루이스 부뉴엘이 가장 좋아하는 영화였다.[80] ''언더월드''로 스턴버그는 스튜디오에 자신의 "상업적 잠재력"을 보여주며 엄청난 흥행 성공과 아카데미상 수상(최우수 각본상)을 안겨주었다. 파라마운트는 스턴버그에게 다음 네 편의 영화에 대해 호화로운 예산을 제공했다.[81] 일부 역사가들은 ''언더월드''를 스턴버그가 스튜디오 이윤 시스템에 적응한 첫 번째 작품으로 지적하는 반면, 다른 사람들은 이 영화가 스턴버그 특유의 개인적 스타일이 나타나는 작품이라고 언급한다.[82][83]

스턴버그가 다음 2년 동안 파라마운트를 위해 제작한 영화, 즉 ''라스트 코맨드''(1928), ''드래그 네트''(1928), ''뉴욕 항구''(1928), 그리고 ''레나 스미스의 사건''(1929)은 그의 경력에서 "가장 왕성한 시기"를 기록했고, 그를 무성 영화 시대 후반기의 가장 위대한 영화 제작자 중 한 명으로 만들었다.[84][85][86] 파라마운트의 기대와는 달리, 이 영화들은 배급에서 수익성이 높지 않았다.[87][88]

''라스트 코맨드''는 비평가들로부터 높은 평가를 받았고 파라마운트의 명성을 높였다. 이 영화는 아카데미상 수상 배우 에밀 야닝스와 프로듀서 에리히 폼머의 협력 관계를 맺는 데 기여했다.[89] 스턴버그는 동료 감독 에리히 폰 스트로하임의 ''결혼 행진곡''을 "관리 가능한 길이로 줄이는" 데 동의했고, 이는 폰 스트로하임과의 관계를 "파괴"하는 결과를 낳았다.[90] ''드래그 네트''는 ''언더월드''의 속편으로 여겨지는 유실된 영화이다.[91] ''뉴욕 항구''는 "오늘날 스턴버그의 무성 영화 중 가장 인기 있는 작품"으로, 비참하고 잔혹한 환경 속에서 펼쳐지는 로맨스에 스펙터클과 심리를 결합했다.[92]

스턴버그가 무성 영화 시대에 완성한 9편의 영화 중 4편만이 현재 존재한다. 그의 작품이 "유실 영화 증후군"에 시달리고 있다는 사실은 그의 무성 영화 전반에 대한 포괄적인 평가를 불가능하게 만든다.[93][94] 그럼에도 불구하고 스턴버그는 이 시기 영화사에서 위대한 "낭만적 예술가"로 자리매김하고 있다.[95] ''레나 스미스의 사건''은 "의미와 목적을 가진 이야기와 그의 매우 독창적인 스타일을 결합하려는 스턴버그의 가장 성공적인 시도"로 묘사되는 안타까운 유실작이다.[96][97] 이 영화는 떠오르는 토키 영화 열풍의 희생양이 되었고, 미국 비평가들에게 무시당했지만, 유럽에서는 높은 명성을 얻었다. 오스트리아 영화 박물관은 2005년에 발견된 5분 길이의 필름 조각을 포함하여 영화를 재구성하기 위한 자료를 수집했다.[99]

파라마운트는 스턴버그의 다음 작품인 1929년 사운드 영화 ''썬더볼트''를 빠르게 각색했다. 암흑가의 멜로드라마-뮤지컬인 이 영화의 사운드트랙은 혁신적인 비동기 및 대위법적 음향 효과를 사용했다.[100][101] ''썬더볼트''는 주연 배우 조지 밴크로프트에게 아카데미상 남우주연상 후보 지명을 안겨줬지만, 스턴버그와 파라마운트의 관계는 상업적 실패로 인해 위태로웠다.[102]

1934년 파라마운트의 파산 이후, 프로듀서 슐버그와 시나리오 작가 퍼스먼은 해리 콘이 운영하는 컬럼비아 픽처스에 고용되었다. 이들은 스턴버그와 저예산 스튜디오 간의 두 작품 계약을 성사시켰다.[209] 표도르 도스토옙스키의 ''죄와 벌''을 각색한 영화는 스턴버그가 컬럼비아에서 처음 맡은 작품이었으나, 그의 적성과 관심사에 맞지 않는 프로젝트였다. 1930년대에는 문학 걸작을 대중에게 선보이는 것이 유행이었고, 저작권이 만료된 작품은 스튜디오에 수수료 부담이 없었다.[210] 스턴버그는 도스토옙스키의 작품에 스타일을 담아냈지만, 복잡한 인물 분석을 전달하려는 시도는 직설적인 탐정 소설을 위해 중단되었다.[211][212] 그럼에도 스턴버그는 유능한 장인임을 입증했고, 이 영화는 컬럼비아에 만족스러운 결과를 안겨주었다.[213][214]

컬럼비아는 스턴버그의 다음 작품인 소프라노 그레이스 무어가 출연하고 프리츠 크라이슬러의 오페레타 《시시》를 각색한 《왕이 나선다》(The King Steps Out)에 큰 기대를 걸었다. 그러나 이 코미디는 오페라 디바와 감독 사이의 불화로 훼손되었다. 스턴버그는 여주인공과 자신을 동일시하거나 자신의 스타일을 오페레타에 맞출 수 없었다.[215][216][217] 스턴버그는 영화 완성 후 컬럼비아 픽처스를 떠났고, 《왕이 나선다》는 그가 자신의 작품 회고에서 삭제할 것을 주장한 유일한 영화이다.[218]

컬럼비아 픽처스에서의 두 편의 영화 제작 이후, 스턴버그는 샌 페르난도 밸리에 집을 지었다. 건축가 리처드 노이트라가 설계한 아방가르드 구조는 가짜 해자, 약 2.44m의 외부 강철 벽, 방탄 창문을 특징으로 했다. 이는 스턴버그의 직업 경력에 대한 불안감과 정체성에 대한 통제를 주장하려는 강박 관념을 반영했다.[219][220] 1935년부터 1936년까지 스턴버그는 극동을 여행하며 미래의 예술적 노력을 위한 첫인상을 기록했다. 이 여행에서 그는 일본 영화 배급업자 나가마사 가와키타와 알게 되었고, 1953년 스턴버그의 마지막 영화에서 협력하게 된다. 자바에서 스턴버그는 생명을 위협하는 복부 감염에 걸려 수술을 위해 유럽으로 돌아가야 했다.

42세의 스턴버그는 런던에서 요양 중이었으며, 런던 필름스의 알렉산더 코다로부터 로버트 그레이브스의 로마 황제 클라우디우스에 대한 전기적 기록을 영화화해 달라는 요청을 받았다. 마를레네 디트리히는 스턴버그를 위해 코다가 영국 감독 윌리엄 캐머런 멘지스가 아닌 자신을 선택하도록 중재했다.[226] 그레이브스가 구상한 클라우디우스는 "스턴버그적인 고전적 비율"을 가진 인물로, 훌륭한 영화를 만들 요소를 갖추고 있었다. 찰스 로턴이 연기한 클라우디우스는 늙고 박식하며, 황제 칼리굴라의 뒤를 잇는 의도치 않은 후계자이다. 권력을 잡았을 때 그는 덕스러운 삶의 원칙에 따라 통치하고, 사회 개혁가이자 군사 사령관으로서 임무에 적응한다. 그의 젊은 아내 메살리나(메를 오베론)의 불충실이 드러나자 그는 로마에 군대를 투입하고 그녀의 사형 선고에 서명한다. 살아있는 신으로 선포된 클라우디우스는 비인간화되고 과대망상적인 비극적 운명을 맞이한다. 권력에 의해 타락한 미덕과 타락이 자아 실현보다 앞서야 한다는 역설은 스턴버그에게 매력적이었다.[227][228]

코다는 찰스 로턴의 계약 만료 가능성 때문에 제작을 서두르고 싶어했다.[229] 스턴버그가 1937년 1월 감독직을 맡았을 때 이미 배우와 제작진이 구성되어 있었다. 스턴버그는 런던 필름스의 덴함 스튜디오에 규율을 주입했다.[230][231] 2월 중순 촬영이 시작되었을 때, 스턴버그는 출연자들을 "단순한 장식의 세부 사항"으로 축소하는 경향이 있는 독선적인 인물로, 런던 필름스의 아카데미상 수상 스타 로턴과 충돌했다.[232][233] 로턴은 감독의 적극적인 개입이 필요했고, 그렇지 않으면 침울하고 비타협적이었다.[234]

스턴버그는 클라우디우스를 명확하게 파악하고 있었지만, "예술적 논쟁"을 벌이며 로턴과 고군분투했다. 스턴버그의 독선적인 태도에 고통받던 배우는 촬영 5주 만에 계약 만료 시 런던 필름스를 떠나겠다고 발표했다. 코다는 영화 완성 예상일에 대해 문의했고, 스턴버그는 자신이 예술적인 노력을 하고 있다고 선언하며 폭발했다. 3월 16일, 갈등이 커지고 비용 초과가 예상되자 여배우 메를 오베론이 교통사고를 당했다. 코다는 이 사고를 실패한 벤처를 종료할 구실로 삼았다.[235][236] 영화 네거티브와 인쇄본은 덴함 스튜디오에 보관되었고 런던 필름스는 보험 보상을 받았다.[237] 현존하는 영화 시퀀스는 ''나는 클라우디우스''가 훌륭한 작품이 될 수 있었을 것임을 시사한다. 제작 중단으로 스턴버그는 최고 수준의 영화 제작자로서의 지위를 확립할 기회를 잃었다.[238][239]

런던 필름 제작 붕괴 후, 스턴버그는 차링 크로스 정신과 병동에 입원한 것으로 알려졌다.[240] 그는 1937년부터 1938년까지 유럽에 머물며 일자리를 찾았다. 야르밀라 노보트나에게 프란츠 베르펠의 ''무사 다그의 40일'' 영화 출연을 제안했지만 거절당했다. 루이지 피란델로의 ''작가를 찾는 여섯 인물''에 대한 관심을 되살린 스턴버그와 감독 막스 라인하르트는 판권을 얻으려 했지만 비용이 높았다.[241] 1937년 말, 스턴버그는 오스트리아 자금으로 에밀 졸라의 ''저미날'' 영화 버전을 제작하기로 하고, 힐데 크라흘과 장-루이 바로를 섭외했다. 준비 중 스턴버그는 자바에서 얻은 질병이 재발하여 쓰러졌다. 그가 런던에서 요양하는 동안 독일이 오스트리아를 침공했고 프로젝트는 중단되었다. 스턴버그는 회복을 위해 캘리포니아로 돌아갔지만, 만성적인 심장 질환이 생겼다.[242]

1938년 10월, 메트로-골드윈-메이어(M-G-M)는 스턴버그에게 줄리앙 뒤비비에의 ''위대한 왈츠''의 몇몇 장면을 마무리해 달라고 요청했다. 12년 전 M-G-M과의 인연은 갑작스러운 결별로 끝났었다. 그 임무를 완수한 후, 스튜디오는 헤디 라마르를 위한 일회성 영화 계약을 스턴버그와 맺었다. 메트로는 마를레네 디트리히와 함께 했던 스턴버그의 성공에 동기를 부여받아 라마르의 스크린 이미지에 따뜻함을 불어넣을 것으로 기대했다.[243][244] 스턴버그는 ''뉴욕 신데렐라''에서 일주일 남짓 일하고 사임했다. 이 영화는 W. S. 밴 다이크에 의해 ''나는 이 여자를 원한다''로 완성되었고, 비평가들에게 혹평을 받았다.[245][246]

스턴버그는 M-G-M과의 계약 이행을 위해 무성 영화 시대에 창조했던 범죄 드라마 장르로 돌아왔다: ''서전트 매든''. 아버지 같은 순찰관 (월러스 비어리)은 서전트가 된다. 그는 친아들과 입양된 아들들로 구성된 가족의 아버지이다. 친아들이 범죄를 저지르고 경찰 총격전에서 사망하고, 입양된 아들은 훌륭한 경찰이 되기 위해 아버지를 본받아 죽은 형의 아내와 결혼한다.[247] 이 영화는 주제와 스타일이 제1차 세계 대전 이후의 독일 영화와 유사하다. 사회적 의무가 가족에 대한 충성심보다 우월하다는 전제는 독일 문학과 영화에서 흔했다. ''서전트 매든''의 중심 갈등은 친아들이 강력한 아버지와 싸움을 벌이는 것으로, 스턴버그가 폭군적인 아버지와 겪었던 갈등과 유사하다.[248][249] 스타일 면에서 스턴버그의 영화 기법은 1920년대 독일 표현주의 영화의 어둡고 회색빛 분위기를 모방한다. 스턴버그는 에밀 야닝스를 연상시키는 절제된 연기를 이끌어냈다.[250][251]

스턴버그의 절제된 연출은 메트로 임원들을 안심시켰고, 유나이티드 아티스츠는 그에게 마지막 걸작 ''상하이 제스처(The Shanghai Gesture)''를 제작할 자원을 제공했다.[252] 독일 출신 제작자 아놀드 프레스버거는 존 콜턴의 연극 ''상하이 제스처''(1926)의 판권을 소유하고 있었다. 이 작품은 상하이 매춘 업소와 아편굴의 "타락하고 부패한" 주민들을 조사했다. 콜턴의 이야기는 헤이스 사무소가 시행되던 1940년에 각색하기 어려웠다. 음란한 행동과 약물 사용 묘사가 금지되어 30개 이상의 시도가 무효화되었다.[253] 시나리오 작가 줄스 퍼스먼은 칼 폴멜러와 게자 헤르체그의 도움을 받아 무삭제 버전을 제작하여 통과시켰다. 스턴버그는 시나리오에 내용을 추가하고 촬영에 동의했다. ''바다의 여인''에서 스턴버그의 촬영 감독이었던 폴 이바노가 카메라맨으로 투입되었다.[254][255]

검열관을 만족시키기 위해 이야기는 매춘 업소가 아닌 상하이 카지노를 배경으로 한다. 업소 주인의 이름은 "마더 갓뎀" 대신 "마더 진-슬링"으로 순화되었다. 진-슬링과 영국 관리인 가이 차터리스 경 (월터 휴스턴) 사이의 결합으로 태어난 혼혈 딸 진 티어니는 유럽의 명문 학교 출신이다. "포피"라는 별명을 가진 딸의 타락은 특권적인 성장 환경으로 인해 덜 타락한 것은 아니다.[256] 스턴버그는 닥터 오마르(빅터 매튜어)와 딕시 포머로이(필리스 브룩스)라는 두 명의 캐릭터를 삽입하여 이야기를 확장했다. "아무것도 아닌 의사"인 닥터 오마르는 냉담한 향락주의자로, 카지노 단골들에게만 인상적이다. 그의 학문적인 칭호는 스턴버그의 "폰"보다 더 실질적인 의미가 없다.[257] 전직 브루클린 코러스 걸인 딕시는 티어니의 대륙적인 아름다움과 대조를 이루며, 평범한 오마르를 평가한다. 포피는 오마르에게 굴복하고, 스턴버그는 이 관계의 부조리를 드러낸다. 차터리스와 진-슬링의 대립은 과거의 굴욕과 고통을 되살리고, 포피는 희생된다. 차터리스의 강박적인 정직함은 딸의 아이러니를 보지 못하게 한다.[258] ''상하이 제스처''는 인물들의 "육체적 표현력"을 통해 감정과 동기를 전달하는 뛰어난 작품이다. 프로이트적 용어로, 제스처는 "무능력, 거세, 자위 행위, 성전환"의 상징으로 작용하며 스턴버그의 인간 조건에 대한 집착을 드러낸다.[259]

1943년 7월 29일, 49세의 스턴버그는 노스 할리우드 자택에서 21세의 행정 비서인 잔 안넷 맥브라이드와 비공개 결혼식을 올렸다.[260] 제2차 세계 대전 중, 스턴버그는 민간인 자격으로 미국 전쟁 정보국의 요청을 받아 ''미국 풍경''을 제작했다. 이 영화는 전투 및 모집에 중점을 둔 ''우리가 싸우는 이유''의 국내 버전이었다.

3. 1. 조감독 시절 (1919-1924)

30세의 스턴버그는 배우 조지 K. 아서와 함께 제작한 독립 영화 《구원의 사냥꾼》으로 감독 데뷔를 했다.[44][45] 4800USD라는 적은 예산으로 촬영된 이 영화는 배우 겸 감독 겸 제작자인 찰리 채플린과 유나이티드 아티스츠(UA)의 공동 제작자인 더글러스 페어뱅스 시니어에게 큰 인상을 주었다.[46][47] 《탐욕》(1924)의 감독 에리히 폰 스트로하임의 작품에 영향을 받은 이 영화는 세 명의 젊은 방랑자가 디스토피아적 환경에서 살아남기 위해 고군분투하는 모습을 묘사하여 영화광들로부터 "매력 없는 현실주의"라는 평가를 받았다.[48][49]

스턴버그의 예산 제약으로 인한 여러 단점에도 불구하고, 이 영화는 유나이티드 아티스츠에 20000USD에 판매되었고, 짧게 배급되었지만 흥행에는 실패했다.[50]

이 영화의 성공에 힘입어, UA의 배우 겸 제작자인 메리 픽포드는 스턴버그에게 다음 장편 영화의 각본과 연출을 맡겼다. 그의 각본 《백워시》는 개념과 기법 면에서 너무 실험적이라고 여겨져 픽포드-스턴버그 프로젝트는 취소되었다.[51][52]

스턴버그의 《구원의 사냥꾼》은 그의 마지막 영화인 《아나타한》(1953)을 제외하면 "가장 명백하게 개인적인 작품"이다.[53] 그의 독특한 스타일은 시각적으로나 극적으로 이미 나타나고 있다. 베일과 그물은 배우들의 시야를 가리고, "신체적 행동보다는 심리적 갈등"이 그의 등장인물들의 동기를 모호하게 하는 효과를 낸다.[54][55]

3. 2. 감독 데뷔와 초기 성공 (1924-1929)

찰리 채플린과 더글러스 페어뱅스 시니어에게 깊은 인상을 준 독립 영화 《구원의 사냥꾼》으로 30세에 감독 데뷔를 했다.[44][45] 이 영화는 에리히 폰 스트로하임의 《탐욕》(1924)에 영향을 받아 세 명의 젊은 방랑자가 디스토피아적 환경에서 살아남기 위해 고군분투하는 모습을 묘사했다.[48][49]

4800USD라는 적은 예산으로 촬영되었지만,[46][47] 유나이티드 아티스츠에 20000USD에 판매되어 짧게 배급되었으나 흥행에는 실패했다.[50]

이 영화의 성공으로 메리 픽포드는 스턴버그에게 다음 장편 영화의 각본과 연출을 맡겼으나, 그의 각본 《백워시》는 너무 실험적이라고 여겨져 프로젝트가 취소되었다.[51][52]

《구원의 사냥꾼》은 《아나타한》(1953)을 제외하면 "가장 명백하게 개인적인 작품"이다.[53] 그의 독특한 스타일은 시각적, 극적으로 이미 나타나 있으며, 베일과 그물은 배우들의 시야를 가리고, "신체적 행동보다는 심리적 갈등"이 등장인물들의 동기를 모호하게 한다.[54][55]

The Exquisite Sinner (1926 film). M-G-M studios set. Director von Sternberg seated (right).


유나이티드 아티스츠와의 계약에서 풀려난 후, 스턴버그는 메트로 골드윈 메이어(M-G-M)와 8편의 영화 계약을 체결했다.[56][57] 그러나 M-G-M의 "점점 더 경직되는 스튜디오 시스템"에서 영화 제작에 대한 자신의 접근 방식과 상업적 성공에 대한 관점 차이로 인해 메트로 경영진과 충돌했다.[58][59][60][61][62]

M-G-M은 처음에 스턴버그에게 ''The Exquisite Sinner''의 각색을 배정했지만, 내러티브를 명확하게 제시하지 못해 개봉이 보류되었다.[63] 이후 ''The Masked Bride'' 연출을 맡았으나, 제작 통제 부족에 실망하여 2주 만에 그만두었고, 1925년 8월 계약이 해지되었다.[64][65]

찰리 채플린과의 협업 실패는 그의 명성에 일시적인 타격을 주었다. 1926년 6월, 베를린으로 가서 무대 제작 관리 제안을 탐색했지만, 적합하지 않다는 것을 알게 되었다.[71] 영국에서 배우 리자 로이스를 만나 1927년 7월 6일에 결혼했으나, 3년간의 격정적인 결혼 생활 후 1931년 6월 5일에 이혼했다.[72][73]

3. 3. 마를레네 디트리히와의 협업 (1930-1935)

《악마는 여자》(The Devil is a Woman)는 스턴버그가 그의 협력자이자 뮤즈였던 마를레네 디트리히에게 바치는 영화적 찬사이자 고백이다. 이 마지막 작품에서 그는 5년간의 직업적, 개인적 관계에 대한 자신의 성찰을 드러낸다.[194][195]

그의 핵심적인 주제는 여기서 완전히 명확하게 드러난다. 즉, 성적 집착에 굴복하기 위해 요구되는 대가로 한 개인의 명성과 권위가 뚜렷하게 상실되는 모습이다.[196] 스턴버그는 이 노력을 위해 그가 가진 모든 정교한 영화적 요소를 동원했다. 스턴버그의 공식적인 촬영 기법은 이를 보여주는 척도이다.[197][198]

피에르 루이스의 소설 여자와 인형 (1908)을 바탕으로 한 이 드라마는 19세기 말 스페인의 유명한 카디스 카니발에서 펼쳐진다. 젊은 혁명가 안토니오(세사르 로메로)와 중년의 전직 군인 돈 파스칼(라이오넬 아트윌) 사이에 파괴적으로 아름다운 사교계 여인 콘차(디트리히)의 사랑을 차지하기 위한 삼각관계가 형성된다. 배경의 유쾌함에도 불구하고, 이 영화는 어둡고, 음울하며, 성찰적인 분위기를 가지고 있다. 이 경쟁은 돈 파스칼이 치명상을 입을 수도 있는 결투로 끝난다. 즉, 결말은 명확하게 드러나지 않는다.[199]

이전의 어떤 작품보다 스턴버그는 외모뿐만 아니라 단신, 엄격한 표정, 자랑스러운 태도, 언어 습관 및 흠잡을 데 없는 복장 등 감독과 더 닮은 주연 배우(아트윌)를 선택했다. 스턴버그는 카메라 뒤에서 나와 디트리히의 상대역을 효과적으로 연기했다. 이 의도적인 자화상은 영화가 영화 산업에서의 그의 경력 쇠퇴와 연인으로서의 디트리히의 상실에 대한 잠재된 논평임을 나타낸다.[200][201] 콘차와 파스칼 사이의 날카로운 대화는 격렬한 비난으로 가득 차 있다.[202] 배우들은 감정을 전달하기 위해 감정을 드러내지 않는다. 오히려 스턴버그는 렌즈 앞에 장식물을 겹겹이 신중하게 적용하여 3차원 효과를 만들어낸다. 배우가 이 그림 캔버스에 들어서면 가장 섬세한 제스처가 감정을 등록한다. 시각적 완전성에 대한 그의 뛰어난 통제력은 스턴버그 영화의 웅변과 힘의 기초이다.[203][204]

1935년 3월, 할리우드에서 《악마는 여자》가 처음 상영될 때, 파라마운트에서는 스턴버그의 계약이 갱신되지 않을 것이라는 언론 성명을 발표했다. 영화 개봉 전에 감독은 자신의 해고를 예상하고 디트리히와의 직업적 관계를 명시적으로 단절하는 자신의 선언문을 발표하며 "디트리히 양과 저는 가능한 한 멀리 진행했습니다... 우리가 계속한다면 우리 둘 모두에게 해로운 패턴에 빠지게 될 것입니다."라고 적었다.[205]

예상보다 좋은 평을 받았음에도 불구하고, 《악마는 여자》는 스턴버그에게 영화 산업에서의 명성을 잃게 했다.[206] 스턴버그는 파라마운트에서 그에게 부여되었던 관대함과 명성을 다시는 누리지 못할 것이다.[207]

《악마는 여자》의 개봉 후, 스페인 정부는 이 영화가 "스페인 군대"를 비하하고 스페인 국민의 품성을 모욕했다는 이유로 공식적인 항의를 제기했다. 문제의 장면들은 스페인 민간 경비대가 카니발을 즐기는 사람들을 통제하는 데 서투른 모습과 한 경찰관이 카페에서 술을 마시는 모습을 보여준다. 아돌프 주커 파라마운트 회장은 미국-스페인 무역 협정을 보호하고, 해당 국가에서 파라마운트 영화 배급을 보호하기 위해 이 영화를 금지하기로 동의했다.[208]

3. 4. 경력 쇠퇴와 후기 활동 (1935-1953)

유나이티드 아티스츠와의 계약에서 풀려난 스턴버그는 할리우드에서 떠오르는 재능으로 여겨져 주요 영화 스튜디오들의 주목을 받았다.[56][57] 1925년 메트로 골드윈 메이어(M-G-M)와 8편의 영화 계약을 체결했지만, "점점 더 경직되는 스튜디오 시스템"에 들어섰고, 그곳에서는 영화가 시장적 고려에 종속되었고 수익성으로 판단되었다.[58][59] 스턴버그는 영화 제작에 대한 자신의 접근 방식, 즉 예술의 한 형태로서의 영화와 시각적 시인으로서의 감독에 대해 메트로 경영진과 충돌했다. 스턴버그가 "상업적 성공에는 거의 관심이 없었기" 때문에 이러한 상충된 우선순위는 그들의 관계를 "운명지을" 것이었다.[60][61][62]

메트로 골드윈 메이어는 처음에 스턴버그에게 작가 앨든 브룩스의 소설 ''탈출''(Escape)을 각색하도록 배정했고, 이 영화는 ''The Exquisite Sinner''로 제목이 변경되었다. 제1차 세계 대전 이후의 브르타뉴를 배경으로 한 로맨스 영화는, M-G-M이 사진의 아름다움과 예술적 가치를 인정했음에도 불구하고, 내러티브를 명확하게 제시하지 못하여 개봉이 보류되었다.[63]

스턴버그는 다음으로 영화 스타 메이 머레이와 로이 다시를 ''The Masked Bride''에서 연출하는 임무를 맡았는데, 두 사람 모두 스트로하임의 호평을 받은 영화 ''The Merry Widow''(1925)에 출연했었다. 제작의 모든 측면에 대한 통제 부족에 실망한 스턴버그는 2주 만에 그만두었다. 그의 마지막 제스처는 세트에서 나가기 전에 카메라를 천장으로 향하는 것이었다. 메트로는 1925년 8월 그의 계약을 해지했다. 스턴버그의 조감독이었던 프랑스인 로베르 플로리는 스턴버그의 스트로하임과 같은 연극적 행동이 제작 매니저들을 당황하게 하면서 M-G-M 세트에서 나타났다고 보고했다.[64][65]

파라마운트는 스턴버그의 다음 작품인 1929년 사운드 영화로 제작된 영화, ''썬더볼트''를 빠르게 각색했다. 암흑가의 멜로드라마-뮤지컬인 이 영화의 사운드트랙은 종종 코믹 효과를 위해 혁신적인 비동기 및 대위법적 음향 효과를 사용했다.[100][101] ''썬더볼트''는 주연 배우 조지 밴크로프트에게 아카데미상 남우주연상 후보 지명을 안겨줬지만, 스턴버그와 파라마운트의 관계는 일련의 상업적 실패로 인해 위태로웠다.[102]

《악마는 여자》(The Devil is a Woman)는 스턴버그가 그의 협력자이자 뮤즈인 마를레네 디트리히에게 바치는 영화적 찬사이자 고백이다. 이 마지막 헌사에서 그는 5년간의 직업적, 개인적 관계에 대한 자신의 성찰을 드러낸다.[194][195] 그의 핵심적인 주제는 여기서 완전히 명확하게 드러난다. 즉, 성적 집착에 굴복하기 위해 요구되는 대가로 한 개인의 명성과 권위가 뚜렷하게 상실되는 모습이다.[196] 스턴버그는 이 노력을 위해 그가 가진 모든 정교한 영화적 요소를 동원했다. 스턴버그의 공식적인 촬영 기법은 이를 보여주는 척도이다.[197][198]

피에르 루이스의 소설 여자와 인형 (1908)을 바탕으로 한 이 드라마는 19세기 말 스페인의 유명한 카디스 카니발에서 펼쳐진다. 젊은 혁명가 안토니오(세사르 로메로)와 중년의 전직 군인 돈 파스칼(라이오넬 아트윌) 사이에 파괴적으로 아름다운 사교계 여인 콘차(디트리히)의 사랑을 차지하기 위한 삼각관계가 형성된다. 배경의 유쾌함에도 불구하고, 이 영화는 어둡고, 음울하며, 성찰적인 분위기를 가지고 있다. 이 경쟁은 돈 파스칼이 치명상을 입을 수도 있는 결투로 끝난다. 즉, 결말은 명확하게 드러나지 않는다.[199]

이전의 어떤 작품보다 스턴버그는 외모뿐만 아니라 단신, 엄격한 표정, 자랑스러운 태도, 언어 습관 및 흠잡을 데 없는 복장 등 감독과 더 닮은 주연 배우(아트윌)를 선택했다. 스턴버그는 카메라 뒤에서 나와 디트리히의 상대역을 효과적으로 연기했다. 이 의도적인 자화상은 영화가 영화 산업에서의 그의 경력 쇠퇴와 연인으로서의 디트리히의 상실에 대한 잠재된 논평임을 나타낸다.[200][201] 콘차와 파스칼 사이의 날카로운 대화는 격렬한 비난으로 가득 차 있다.[202] 배우들은 감정을 전달하기 위해 감정을 드러내지 않는다. 오히려 스턴버그는 렌즈 앞에 장식물을 겹겹이 신중하게 적용하여 3차원 효과를 만들어낸다. 배우가 이 그림 캔버스에 들어서면 가장 섬세한 제스처가 감정을 등록한다. 시각적 완전성에 대한 그의 뛰어난 통제력은 스턴버그 영화의 웅변과 힘의 기초이다.[203][204]

1935년 3월, 할리우드에서 《악마는 여자》가 처음 상영될 때, 파라마운트에서는 스턴버그의 계약이 갱신되지 않을 것이라는 언론 성명을 발표했다. 영화 개봉 전에 감독은 자신의 해고를 예상하고 디트리히와의 직업적 관계를 명시적으로 단절하는 자신의 선언문을 발표하며 "디트리히 양과 저는 가능한 한 멀리 진행했습니다... 우리가 계속한다면 우리 둘 모두에게 해로운 패턴에 빠지게 될 것입니다."라고 적었다.[205]

예상보다 좋은 평을 받았음에도 불구하고, 《악마는 여자》는 스턴버그에게 영화 산업에서의 명성을 잃게 했다.[206] 스턴버그는 파라마운트에서 그에게 부여되었던 관대함과 명성을 다시는 누리지 못할 것이다.[207]

《악마는 여자》의 개봉 후, 스페인 정부는 이 영화가 "스페인 군대"를 비하하고 스페인 국민의 품성을 모욕했다는 이유로 공식적인 항의를 제기했다. 문제의 장면들은 스페인 민간 경비대가 카니발을 즐기는 사람들을 통제하는 데 서투른 모습과 한 경찰관이 카페에서 술을 마시는 모습을 보여준다. 파라마운트 회장 아돌프 주커는 미국-스페인 무역 협정을 보호하고, 해당 국가에서 파라마운트 영화 배급을 보호하기 위해 이 영화를 금지하기로 동의했다.[208]

1934년 파라마운트의 파산 이후 인력 개편으로 인해 많은 인재들이 회사를 떠났다. 그중 두 명의 망명자, 프로듀서 슐버그와 시나리오 작가 퍼스먼은 해리 콘이 운영하는 컬럼비아 픽처스에 고용되었다. 이 두 명의 전 동료는 스턴버그와 저예산 스튜디오 간의 두 작품 계약을 성사시켰다.[209]

표도르 도스토옙스키의 ''죄와 벌''을 각색한 이 영화는 스턴버그가 컬럼비아에서 처음으로 맡은 작품이었으나, 그의 적성과 관심사 측면에서 볼 때 어울리지 않는 프로젝트였다. 재정적으로 어려움을 겪던 1930년대에는 문학 걸작을 대중에게 선보이는 것이 업계 전반의 유행이었다. 이러한 작품들의 저작권이 일반적으로 만료되었기에 스튜디오는 수수료를 지불하지 않았다.[210]

스턴버그는 도스토옙스키의 작품에 어느 정도의 스타일을 담아냈지만, 작가의 복잡한 인물 분석을 전달하려는 시도는 서스펜스가 부족하긴 해도, 직설적인 탐정 소설을 위해 중단되었다.[211][212] 영감을 받지 못했음에도 스턴버그는 유능한 장인임을 입증했고, 그의 괴벽에 대한 몇몇 오해를 불식시켰으며, 이 영화는 컬럼비아에 만족스러운 결과를 안겨주었다.[213][214]

컬럼비아는 스턴버그의 다음 작품인 소프라노 그레이스 무어가 출연하고 프리츠 크라이슬러의 오페레타 《시시》를 각색한 《왕이 나선다》(The King Steps Out)에 큰 기대를 걸었다. 오스트리아 왕족을 배경으로 빈을 배경으로 한 이 코미디는 오페라 디바와 감독 사이의 개인적, 전문적인 불화로 인해 훼손되었다. 스턴버그는 여주인공과 자신을 동일시하거나 자신의 스타일을 오페레타의 요구에 맞출 수 없다는 것을 알게 되었다.[215][216][217] 이 실패작에서 벗어나고 싶었던 스턴버그는 영화가 완성된 후 컬럼비아 픽처스를 즉시 떠났다. 《왕이 나선다》는 스턴버그가 자신의 작품 회고에서 삭제할 것을 주장한 유일한 영화이다.[218]

컬럼비아 픽처스에서의 고통스러운 두 편의 영화 제작 이후, 스턴버그는 할리우드 북쪽에 있는 샌 페르난도 밸리의 30에이커(12헥타르) 부지에 집을 짓는 것을 감독했다. 건축가 리처드 노이트라가 설계한 아방가르드 구조는 감독의 사양에 맞춰 가짜 해자, 약 2.44m의 외부 강철 벽, 방탄 창문을 특징으로 했다. 이 사막 휴양지의 요새와 같은 특징은 스턴버그의 직업 경력에 대한 불안감과 그의 정체성에 대한 엄격한 통제를 주장하려는 그의 강박 관념을 반영했다.[219][220]

1935년부터 1936년까지 스턴버그는 극동을 광범위하게 여행하며 미래의 예술적 노력을 위한 첫인상을 기록했다. 이 여행에서 그는 일본 영화 배급업자 나가마사 가와키타와 알게 되었고, 그들은 1953년 스턴버그의 마지막 영화에서 협력하게 된다. 자바에서 스턴버그는 생명을 위협하는 복부 감염에 걸려 수술을 위해 즉시 유럽으로 돌아가야 했다.

42세의 이 감독은 런던에서 요양 중이었으며, 그의 창의력은 여전히 ​​완전했다. 그는 런던 필름스의 알렉산더 코다로부터 연락을 받았다. 영국 영화 제작자인 코다는 스턴버그에게 소설가이자 시인인 로버트 그레이브스의 로마 황제 클라우디우스에 대한 전기적 기록을 영화화해 달라고 요청했다. 이미 사전 제작 중이었던 마를레네 디트리히는 스턴버그를 대신하여 코다가 영국 감독 윌리엄 캐머런 멘지스가 아닌 자신의 전 협력자를 선택하도록 중재했다.[226]

그레이브스가 구상한 클라우디우스는 "스턴버그적인 고전적 비율"을 가진 인물로 훌륭한 영화를 만들 모든 요소를 ​​갖추고 있었다. 찰스 로턴이 연기한 클라우디우스는 늙고, 박식하며, 황제 칼리굴라의 뒤를 잇는 의도치 않은 후계자이다. 권력을 잡았을 때 그는 이전의 덕스러운 삶의 원칙에 따라 통치한다. 황제가 되면서 그는 사회 개혁가이자 군사 사령관으로서 자신의 임무에 적응한다. 그의 젊은 아내 메살리나(메를 오베론)가 클라우디우스가 원정 중에 불충실하다는 것이 드러나자 그는 로마에 군대를 투입하고 그녀의 사형 선고에 서명한다. 살아있는 신으로 선포된, 이제 비인간화되고 과대망상적인 클라우디우스는 비극적인 운명을 맞이한다. 즉, 제국을 완전히 혼자 통치하는 것이다. 권력에 의해 타락한 미덕과, 타락이 자아 실현보다 앞서야 한다는 잔혹한 역설이라는 두 가지 주제는 스턴버그에게 개인적으로나 예술적으로나 매우 매력적이었다.[227][228]

코다는 찰스 로턴의 계약이 촬영 중에 만료될 가능성이 높았기 때문에 제작을 시작하고 싶어했다.[229] 코다는 이미 스턴버그가 1937년 1월에 감독직을 맡았을 때 재능 있는 배우와 제작진을 구성했다. 오스트리아계 미국인 스턴버그는 런던 필름스의 덴함 스튜디오에 규율을 주입했는데, 이는 스턴버그가 이 야심찬 프로젝트에 얼마나 진지하게 접근했는지를 보여주는 지표였다.[230][231]

2월 중순 촬영이 시작되었을 때 스턴버그는 자신의 출연자들을 "단순한 장식의 세부 사항으로" 축소하는 경향이 있는 독선적인 인물로, 곧 런던 필름스의 아카데미상 수상 스타인 로턴과 충돌했다.[232][233] 로턴은 배우로서 역할을 완수하기 위해 감독의 적극적인 개입이 필요했다. 코다는 그를 "산파"라고 불렀다. 이 외에는 그는 침울하고 비타협적일 수 있었다.[234]

클라우디우스를 영화적으로나 감정적으로 명확하게 파악하고 있던 스턴버그는 "예술적 논쟁"을 자주 벌이며 로턴과 고군분투했다. 스턴버그의 독선적인 태도로 고통받던 배우는 1937년 4월 21일에 계약이 만료될 때 런던 필름스를 떠나겠다고 촬영 5주 만에 발표했다. 이제 제작을 서둘러야 할 압박을 받던 코다는 영화의 완성 예상일에 대해 스턴버그에게 조심스럽게 문의했다. 사진의 절반만 찍은 상태에서 분노한 스턴버그는 자신이 마감 기한을 맞추는 경주가 아니라 예술적인 노력을 하고 있다고 선언하며 폭발했다.

3월 16일, 인력 간의 갈등이 커지고 비용 초과가 예상되자 여배우 메를 오베론이 심각한 교통사고를 당했다. 빠르게 회복될 것으로 예상되었지만, 코다는 이 사고를 자신이 실패한 벤처라고 결론 내린 것을 종료할 구실로 삼았다.[235][236] 영화 네거티브와 인쇄본은 덴함 스튜디오에 보관되었고 런던 필름스는 상당한 보험 보상을 받았다.[237]

불행의 가장 큰 부분은 스턴버그에게 돌아갔다. 현존하는 영화 시퀀스는 ''나는 클라우디우스''가 진정으로 훌륭한 작품이 될 수 있었을 것이라고 시사한다. 제작이 중단되었을 때 스턴버그는 최고 수준의 영화 제작자로서의 지위를 다시 한 번 확립할 마지막 기회를 잃었다.[238][239]

런던 필름 제작의 붕괴는 스턴버그에게 영향을 미치지 않았다. 촬영 이후 그는 차링 크로스 정신과 병동에 입원한 것으로 알려졌다.[240] 스턴버그는 일자리를 찾고 싶은 열망으로 1937년부터 1938년까지 유럽에 머물렀다. 그는 체코 소프라노 야르밀라 노보트나에게 프란츠 베르펠의 ''무사 다그의 40일''을 각색한 영화에 출연할 수 있는지 물었지만 그녀는 거절했다.

루이지 피란델로의 ''작가를 찾는 여섯 인물''에 대한 상호 관심을 되살린 스턴버그와 감독 막스 라인하르트는 판권을 얻으려고 시도했지만 비용이 너무 높았다.[241] 1937년 말 스턴버그는 오스트리아 자금을 마련하여 에밀 졸라의 ''저미날''의 영화 버전을 제작하기로 했고, 힐데 크라흘과 장-루이 바로를 주연으로 성공적으로 섭외했다. 최종 준비가 진행되던 중 스턴버그는 자바에서 얻은 질병이 재발하여 쓰러졌다. 그가 런던에서 요양하고 있는 동안 독일이 오스트리아를 침공했고 프로젝트는 중단해야 했다. 스턴버그는 회복을 위해 캘리포니아에 있는 집으로 돌아갔지만 만성적인 심장 질환이 생겨 남은 생애 동안 그를 괴롭힐 것이라는 것을 알게 되었다.[242]

1938년 10월, 메트로-골드윈-메이어(M-G-M)는 조셉 폰 스턴버그에게 프랑스 출신 감독 줄리앙 뒤비비에의 ''위대한 왈츠''의 몇몇 장면을 마무리해 달라고 요청했다. 그의 M-G-M과의 인연은 12년 전 갑작스러운 결별로 끝났었다. 그 간단한 임무를 완수한 후, 스튜디오는 오스트리아 출신 배우 헤디 라마르를 위한 일회성 영화 계약을 스턴버그와 맺었다. 라마르는 최근 ''알제''의 스타였다. 메트로는 파라마운트에서 마를레네 디트리히와 함께 했던 스턴버그의 성공에 동기를 부여받아 라마르의 스크린 이미지에 따뜻함을 불어넣을 것으로 기대했다.[243][244]

스턴버그는 ''뉴욕 신데렐라''에서 일주일 남짓 일하고 사임했다. 이 영화는 W. S. 밴 다이크에 의해 1940년에 ''나는 이 여자를 원한다''로 완성되었다. 이 영화는 비평가들에게 혹평을 받았다.[245][246]

스턴버그는 M-G-M과의 계약을 이행하기 위해 무성 영화 시대에 그가 창조했던 장르인 범죄 드라마로 돌아왔다: ''서전트 매든''.

아버지 같은 성품의 순찰관 (월러스 비어리)은 계급이 올라 서전트가 된다. 그는 친자식과 입양된 자식들로 구성된 혼합된 가족의 아버지로서, 친아들 (앨런 커티스)과 입양된 아들들 (톰 브라운과 레린 데이)을 거느린다. 친아들이 "누나"와 결혼한 후 범죄를 저지르고 경찰 총격전에서 사망하는데, 비어리도 이 총격전에 참여한다. 입양되고 성실한 아들은 훌륭한 경찰이 되기 위해 아버지의 모습을 본받아 죽은 형의 아내와 결혼한다.[247]

이 영화는 주제와 스타일이 제1차 세계 대전 이후의 독일 영화와 매우 유사하다는 점에서 주목할 만하다. 주제 면에서 사회적 의무가 가족에 대한 충성심보다 우월하다는 전제는 독일 문학과 영화에서 흔했다. 특히 입양된 아들이 신체적, 도덕적 강인함의 시험에서 친아들을 대신하여 사회에 대한 자신의 가치를 증명하는 모습은 더욱 그렇다. ''서전트 매든''의 중심 갈등은 친아들(커티스)이 강력한 아버지(비어리)와 치명적인 싸움을 벌이는 것으로, 스턴버그가 그의 폭군적인 아버지 모세와 겪었던 어린 시절의 갈등과 유사하다.[248][249]

스타일 면에서 스턴버그의 영화 기법은 1920년대 독일 표현주의 영화의 어둡고 회색빛 분위기를 모방한다. ''서전트 매든''의 단역들은 F. W. 무르나우의 영화에서 차출된 것으로 보인다. 과장된 연기의 비어리의 반대에도 불구하고, 스턴버그는 에밀 야닝스를 연상시키는 비교적 절제된 연기를 이끌어냈다.[250][251]

스턴버그의 절제된 연출은 메트로 임원들을 안심시켰고, 유나이티드 아티스츠는 그에게 마지막 걸작인 영화 ''상하이 제스처(The Shanghai Gesture)''를 제작할 자원을 제공했다.[252]

독일 출신 제작자 아놀드 프레스버거는 이 영화의 초기 협력자였으며, 존 콜턴의 연극 ''상하이 제스처''(1926)의 판권을 소유하고 있었다. 이 "선정적인" 작품은 "마더 갓뎀"이 운영하는 상하이 매춘 업소와 아편굴의 "타락하고 부패한" 주민들을 조사했다. 콜턴의 섬뜩한 이야기는 헤이스 사무소가 전면적으로 시행되던 1940년에 각색하는 데 어려움을 겪었다. 음란한 행동과 아편을 포함한 약물 사용 묘사가 금지되어 검열관들은 ''상하이 제스처''를 스크린으로 옮기려는 30개 이상의 시도를 무효화했다.[253] 베테랑 시나리오 작가 줄스 퍼스먼은 칼 폴멜러와 게자 헤르체그의 도움을 받아 무삭제 버전을 제작하여 통과시켰다. 스턴버그는 시나리오에 몇 가지 내용을 추가하고 촬영에 동의했다. ''바다의 여인''에서 스턴버그의 촬영 감독이었던 폴 이바노가 카메라맨으로 투입되었다.[254][255]

검열관을 만족시키기 위해 이야기는 매춘 업소가 아닌 상하이 카지노를 배경으로 한다. 업소 주인의 이름은 콜턴의 원작에서 불경스러운 "마더 갓뎀" 대신 "마더 진-슬링"으로 순화되었다. 진-슬링과 영국 관리인 가이 차터리스 경 (월터 휴스턴) 사이의 결합으로 태어난 진-슬링의 혼혈 딸 진 티어니는 어머니의 매춘 업소에서 자란 창녀가 아니라 유럽의 명문 학교 출신이다. "포피"라는 별명을 가진 딸의 타락은 그녀의 특권적인 성장 환경으로 인해 덜 타락한 것은 아니다.[256]

스턴버그는 닥터 오마르(빅터 매튜어)와 딕시 포머로이(필리스 브룩스)라는 두 명의 매력적인 캐릭터를 삽입하여 원작의 이야기를 확장했다. "아무것도 아닌 의사"인 닥터 오마르는 냉담한 향락주의자로, 냉소적인 카지노 단골들에게만 인상적이다. 그의 학문적인 칭호는 스턴버그의 "폰"보다 더 실질적인 의미가 없으며, 감독은 유머러스하게 이 허세를 드러낸다.[257] 전직 브루클린 코러스 걸인 딕시의 모습은 티어니의 대륙적인 아름다움과 대조를 이루며, 이 전형적인 미국인은 평범한 오마르를 평가한다. "유머, 지성, 부조리에 대한 인식"이 부족한 포피는 요염한 오마르에게 굴복하고, 스턴버그는 영화적으로 이 관계의 부조리를 드러낸다.

차터리스와 진-슬링 사이의 베일에 싸인 부모 간의 대립은 과거의 굴욕과 고통만을 되살리고, 포피는 이 무자비한 결합의 제단에서 희생된다. 차터리스의 강박적인 정직함은 딸의 끔찍한 아이러니를 보지 못하게 한다.[258]

''상하이 제스처''는 스턴버그의 인물들의 순수한 "육체적 표현력"을 통해 감정과 동기를 전달하는 뛰어난 작품이다. 프로이트적 용어로, 제스처는 "무능력, 거세, 자위 행위, 성전환"의 상징으로 작용하며 스턴버그의 인간 조건에 대한 집착을 드러낸다.[259]

1943년 7월 29일, 49세의 스턴버그는 노스 할리우드 자택에서 21세의 행정 비서인 잔 안넷 맥브라이드와 비공개 결혼식을 올렸다.[260]

제2차 세계 대전 중, 스턴버그는 민간인 자격으로 미국 전쟁 정보국의 요청을 받아 일련의 영화 중 하나인 단편 다큐멘터리, ''미국 풍경''을 제작했다. 이 영화는 전투 및 모집에 중점을 둔 ''우리가 싸우는 이유''의 국내 버전이었다. 제1차 세계 대전 당시 미국 육군 통신대에서 근무하며 고정된 총검의 적절한 사용법을 시연하는 단편 영화를 촬영했던 것과는 달리, 이 11분짜리 다큐멘터리 ''더 타운''은 인디애나주 매디슨의 미국 중서부에 위치한 작은 미국 공동체의 초상화를 담고 있으며, 유럽 이민자들의 문화적 기여를 강조한다.[261][262][263][264]

미학적으로, 이 단편 다큐멘터리는 스턴버그 특유의 스타일적 요소를 전혀 보여주지 않는다. 이러한 점에서, 그는 이것이 그가 제작한 유일한 순수한 사실주의 작품이라고 할 수 있다. 그럼에도 불구하고, 완벽한 편안함과 효율성으로 제작되었으며, 그의 "구성 및 연속성에 대한 감각"은 눈에 띄게 구현되었다. ''더 타운''은 32개 언어로 번역되어 1945년에 해외에 배포되었다.[265][266][267]

전쟁이 끝난 후, 스턴버그는 이 영화 감독의 팬이었던 제작자 데이비드 O. 셀즈닉에게 고용되어, 그레고리 펙이 주연한 영화 ''태양의 결투''의 순회 고문이자 조수로 활동했다. 영화 제작자 킹 비더가 감독하는 부서에 배속된 스턴버그는 어떤 임무를 맡든지 민첩하게 참여했다. 스턴버그는 자신의 어린 시절과 성인 생활에 미친 영향에 대한 자기 분석 여정인 ''일곱 나쁜 해''라는 매우 개인적인 프로젝트의 후원자를 계속 찾았다. 상업적 지원이 나타나지 않자, 스턴버그는 할리우드의 지원에 대한 희망을 버리고 1947년 뉴저지주 위호켄에 있는 자신의 집으로 돌아갔다.[268]

2년 동안 스턴버그는 위호켄에 거주하며 실업 상태로 반 은퇴 생활을 했다. 그는 1948년에 메리 오티스 윌머와 결혼하여 곧 아이를 낳고 가족을 부양해야 했다.

1949년, 하워드 휴즈의 할리우드 RKO 스튜디오의 공동 프로듀서가 된 시나리오 작가 줄스 퍼스만은 스턴버그에게 컬러 영화를 연출하도록 추천했다. 이상하게도 휴즈는 55세의 감독에게 영화 테스트를 요구했다. 스턴버그는 그의 기술을 성실하게 시연했고, 이에 만족한 RKO는 그에게 두 편의 영화 계약을 제시했다. 1950년에 그는 냉전 시대 영화인 ''제트 파일럿''의 촬영을 시작했다.

자넷 리와 스턴버그, 영화 ''제트 파일럿'' 촬영 현장


스턴버그는 전제 조건으로 그가 유명했던 에로틱한 장식을 피하고 항공 테마와 하드웨어에 초점을 맞춘 기존 영화를 만들기로 동의했다.[271]

퍼스먼의 각본은 만화책 형식의 이야기로, 소련의 파일럿 스파이 자넷 리가 MiG 전투기를 알래스카의 미국 공군 기지에 착륙하여 망명자로 위장한다. 의심을 품은 기지 사령관은 미국 조종사 존 웨인에게 대(對) 스파이 역할을 맡긴다. 상호 존경심은 두 조종사 간의 사랑으로 이어지고, 리가 망명을 거부당하자 웨인은 리의 추방을 막기 위해 그녀와 결혼한다. 미 공군은 그들에게 허위 정보를 퍼뜨리기 위해 러시아로 보내지만, 웨인은 공군 기지로 돌아온 후 이중 스파이 행위를 한 혐의를 받게 되어 세뇌를 당할 예정이다. 리는 그들의 오스트리아 탈출을 준비한다.[272]

자넷 리는 영화의 시각적 중심에 놓인다. 그녀는 퍼스먼의 각본의 전형적인 미국식 허세와는 대조적으로, 날카롭고 유머러스한 에로티시즘을 허용받는다.[273][274] 스턴버그는 이 냉전 군국주의 찬가에 몰래 몇 가지 전복적인 요소를 삽입했다. 공중 급유 장면( 스탠리 큐브릭의 ''닥터 스트레인지러브''를 예상)에서 전투기는 리와 웨인의 인물과 속성을 갖게 된다.[275]

스턴버그는 불과 7주 만에 촬영을 마쳤지만, 이 영화는 마침내 유니버설 스튜디오에서 6년 후인 1957년 9월에 배급되어 적당한 상업적 성공을 거두기까지 수많은 변형을 겪을 운명이었다.[276]

''제트 파일럿''이 완성되자 스턴버그는 곧바로 RKO를 위한 두 번째 영화인 ''마카오''에 착수했다.

스턴버그가 불쾌하게도, RKO는 1950년 9월 촬영이 시작되었을 때 엄격한 통제를 유지했다. 이 스릴러는 당시 중국 해안에 있는 포르투갈 식민지였던 마카오의 이국적인 지역을 배경으로 한다. 미국 방랑자 로버트 미첨과 금광 사냥꾼 제인 러셀은 부패한 카지노 소유주이자 보석 밀수업자 브래드 덱스터를 미국 법 집행관 윌리엄 벤딕스에게 체포될 수 있도록 공해상으로 유인하는 음모에 연루된다. 오해로 인해 미첨은 위험에 처하고 살인이 잇따르며, 마지막에는 극적인 격투 장면으로 끝을 맺는다.[277]

영화적으로, 스턴버그가 이 영화를 연출했다는 유일한 증거는 그가 자신의 스타일적 특징을 부여하는 데 성공한 부분, 즉 매달린 그물과 전동 팬 안에서 터지는 깃털 베개가 등장하는 해안 추격 장면이다.

4. 교육자 활동 및 말년 (1959-1969)

1959년부터 1963년까지 스턴버그는 캘리포니아 대학교 로스앤젤레스(UCLA)에서 자신의 작품을 바탕으로 영화 미학 강좌를 가르쳤다.[283] 그의 제자들 중에는 학부생 짐 모리슨과 대학원생 레이 만자렉이 있었는데, 이들은 1965년 각자 학위를 받은 직후 록 그룹 도어즈를 결성했다.[283] 이 그룹은 스턴버그를 언급하는 노래를 녹음했으며, 만자렉은 나중에 스턴버그를 "도어즈에 가장 큰 영향을 준 인물"이라고 묘사했다.[283]

캘리포니아에서 일하지 않을 때는 뉴저지주 위호켄에 직접 지은 집에서 살았다.[284][285] 그는 현대 미술을 수집했으며 우표 수집가이기도 했고, 중국 우편 시스템에 관심을 갖게 되어 중국어를 공부하게 되었다.[286] 그는 종종 영화제 심사위원을 맡았다.[286]

스턴버그는 자서전 ''중국 세탁소의 즐거움''(1965)을 썼는데, 이 제목은 초기 영화 코미디에서 따온 것이다.[286] 버라이어티는 이 책을 "한 거장 장인이 어떻게 그토록 많은 기여를 한 예술 형식에 의해 무시되고 넘어갈 수 있는지에 대한 씁쓸한 성찰"이라고 묘사했다.[286] 그는 심근 경색을 겪어 할리우드의 미드웨이 병원 메디컬 센터에 입원했으며, 1969년 12월 22일 75세의 나이로 일주일 안에 사망했다.[286][287] 그는 여러 영화 스튜디오 근처인 캘리포니아주 웨스트우드의 웨스트우드 빌리지 메모리얼 파크 묘지에 안장되었다.

5. 작품 목록

연도제목원제
1925구원의 사냥군The Salvation Hunters
1926바다의 여인A Woman of the Sea
1930푸른 천사Der blaue Engel
The Blue Angel
모로코Morocco
1932상하이 특급Shanghai Express
금발의 비너스Blonde Venus
1934진홍의 여제The Scarlet Empress
1935악마는 여자다The Devil Is a Woman
죄와 벌Crime and Punishment



스턴버그는 디트리히와 함께 파라마운트에서 ''모로코''(1930), ''디스아너드''(1931), ''상하이 익스프레스''(1932), ''금발의 비너스''(1932), ''스칼렛 엠프레스''(1934), ''여자는 악마''(1935) 등 6편의 영화를 함께 만들었다.[115]

'''이하 스턴버그의 작품 목록:'''


  • 1925: ''구원의 사냥꾼''(The Salvation Hunters)
  • 1926: ''절묘한 죄인''(The Exquisite Sinner, 유실), ''바다의 여인''(A Woman of the Sea, ''갈매기''(The Sea Gull) 또는 ''바다 갈매기''(Sea Gulls) 또는 ''한 번 사랑했던 여자''(The Woman who loved once)로도 알려짐, 유실)
  • 1927: ''언더월드(Underworld)'', ''그것'' (클래런스 G. 배저와 공동 연출, 크레딧 미기재)
  • 1928: ''라스트 코만드(The Last Command)'', ''드래그넷''(The Dragnet, 유실), ''뉴욕 항구''(The Docks of New York)'', ''죄의 거리'' (모리츠 스틸러와 공동 연출, 크레딧 미기재)
  • 1929: ''레나 스미스 사건''(The Case of Lena Smith, 유실), ''썬더볼트(Thunderbolt)''
  • 1930: ''푸른 천사(Der blaue Engel)'', ''모로코(Morocco)''
  • 1931: ''디스아너드(Dishonored)'', ''아메리칸 비극(An American Tragedy)''
  • 1932: ''상하이 익스프레스(Shanghai Express)'', ''금발의 비너스(Blonde Venus)''
  • 1934: ''스칼렛 엠프레스(The Scarlet Empress)''
  • 1935: ''여자는 악마(The Devil is a Woman)'', ''죄와 벌(Crime and Punishment)''
  • 1936: ''더 킹 스텝스 아웃(The King Steps Out)''
  • 1937: ''나, 클라우디우스'' (미완성)
  • 1938: ''위대한 왈츠'' (줄리앙 뒤비비에와 공동 연출, 크레딧 미기재)
  • 1939: ''서전트 매든(Sergeant Madden)''
  • 1940: ''이 여자를 아내로 맞이하리'' (W.S. 반 다이크와 공동 연출, 크레딧 미기재)
  • 1941: ''상하이 제스처(The Shanghai Gesture)''
  • 1943: ''더 타운(The Town)'' (단편 영화)
  • 1946: ''태양의 결투'' (킹 비더와 공동 연출, 크레딧 미기재)
  • 1952: ''마카오(Macao)''
  • 1953: ''아나타한(Anatahan)'' (''아나타한의 사가''로도 알려짐)
  • 1957: ''제트 파일럿(Jet Pilot)''
  • 기타: ''이혼의 아이들'' (프랭크 로이드와 공동 연출, 크레딧 미기재)

6. 수상 내역

영화제・상연도부문작품명결과비고
아카데미상1931년감독상모로코후보
1932년상하이 익스프레스후보
베네치아 국제 영화제1935년촬영상스페인 광시곡수상루시앙 발라드와 공동


참조

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[11] 서적 Freulein Freiheit Transit Buchverlag (Berlin)
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[20] 서적 Von Sternberg University Press of Kentucky
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